Mariadelpilargarciagomez’s Blog

Archivo de Autor

Desde mi punto de vista, el desarrollo de ésta asignatura ha sido interesante y muy completo, uniendo a la vez la práctica con la  teoría. Además tanto la forma de abordar los temas como ellos mismo han sido de interés social  y de gran importancia.

Durante el trascurso de éstos hemos ido aprendiendo muchas cosas, opinando de otra manera más compleja, creciendo como personas con una visión más crítica y amplia de las cosas que nos rodean, etc.

Los recursos y la metodología utilizada por el profesor han sido distintos y apropiados, puesto que nos ha hecho ver, a la gran mayoría, que somos más capaces de lo que pensamos, porque personalmente me consideraba peor en algunos aspectos. Me ha enseñado a crear, a pensar y mirar de otra manera, de una forma más crítica. Ver más allá de las apariencias, a buscar.

Además hemos desarrollado la libertad, la creatividad, la imaginación…

La Educación Artística, por todo esto considero que es una asignatura muy importante y sobre todo para los niños.

Introducción

Dibujar y pintar son las actividades artísticas más frecuentes que hacen los niños y niñas en la escuela, por ello las características de esos dibujos, sus sentidos y significados, su evolución o desarrollo, son asuntos de la máxima importancia en la Educación Artística. Por lo que generan interrogantes.

Algunos hechos que llaman la atención del dibujo infantil son:

  1. Las niñas y niños, antes de cumplir los dos años de edad, comienzan a dibujar de forma espontánea y natural.
  2. Los dibujos infantiles presentan unas características propias claramente distintivas, un tipo de “estilo artístico”.
  3. La mayoría de los dibujos y pinturas infantiles son muy llamativos por la espontaneidad, frescura, libertad, armonía y claridad con la que son capaces de resolver los motivos y escenas más complejas.
  4. A medida que las niñas y niños crecen sus dibujos van cambiando y transformándose, haciéndose cada vez más elocuentes y elaborados.
  5. Al concluir la infancia, a partir de los diez años aproximadamente, el interés, la seguridad, la destreza y la espontaneidad que habían manifestado hasta entonces las niñas y niños en sus dibujos y pinturas, se difuminan e incluso desaparecen.

Objetivos de aprendizaje

  • Reconocer y distinguir las principales características del los dibujos espontáneos infantiles.
  • Relacionar las diferentes teorías e interpretaciones sobre los dibujos infantiles
  • Interpretar adecuadamente los dibujos infantiles como una manifestación integral de los procesos cognitivos y afectivos de la persona que dibuja.
  • Valorar las interpretaciones de los enfoques interdisciplinares sobre el arte infantil.
  • Comparar los diferentes enfoques educativos sobre la enseñanza del dibujo en la escuela primaria.

Contenidos

El dibujo y el arte infantil: ¿cómo dibujan las niñas y niños?

Cada persona tiene su propia forma de dibujar. Nadie dibuja de la misma e idéntica manera.

Las imágenes y escenas que dibujan espontáneamente las niñas y niños presentan unos rasgos y formas características que los distinguen de otros grupos.

No todos los dibujos o pinturas o esculturas que hacen las niñas y niños durante la infancia se consideran dibujo o arte infantil. Por ejemplo las fichas de trabajo indicadas por el profesor, los libros de colorear… no son dibujos infantiles porque no responden al modo propio y distintivo de dibujar las niñas y niños a esas edades.

El dibujo y el arte infantil lo constituyen las imágenes y las obras que producen los niños de modo espontáneo, cuando se les facilita y motiva a que dibujen por sí mismos, sin tener que imitar o seguir ninguna pauta preestablecida o ajena a si modo propio de dibujar.

Las niñas y niños introducen en sus dibujos motivos, formas, colores y estrategias de representación características de su entorno visual, lo cual se hará más notorio en los primeros cursos de escolaridad obligatoria.

El dibujo infantil como una forma de expresión propia del niño, acorde y consonante con su manera de ser y de concebir el mundo. Por ello se interesaron por determinar cuáles eran los rasgos definitorios y característicos de ese lenguaje visual. Rasgos definitorios:

  • El principio de aplicación múltiple por el que una misma forma puede servir para representar muchas cosas diferentes. Consiste en utilizar una figura simple para representar gran variedad de objetos o partes del cuerpo humano.
  • El principio de la línea de base. La <<línea de base>> es una línea horizontal que cruza de parte a parte la zona inferior del dibujo, sobre la que se apoyan o sostienen los personales, las plantas, animales y objetos que aparecen en escena.

dibujo aplicación

Por ejemplo en este dibujo vemos como una forma circular sirve para dibujar un sol, una cara, las manos… además de que sobre la línea horizontal se apoya el niño y la flor dibujada. Por lo que podemos observar los dos principios anteriores.

  • El principio de perpendicularidad. La relación entre un objeto y la base en la que se apoya es preferentemente perpendicular, sea cual sea la orientación espacial concreta que tenga esa base.
  • El principio de importancia del tamaño. Las figuras humanas, las partes del cuerpo o los objetos más importantes, ya sea desde un punto de vista emocional, funcional o semántico, deben tener un tamaño mayor que los elementos secundarios.
  • El principio de aislamiento de cada parte del conjunto. Para representar un conjunto compuesto de elementos similares se preferirá, normalmente, dibujar los elementos constitutivos, uno a uno, y en su disposición característica, como si se tratase de unidades aisladas, antes que someterlos o diluirlos en una forma general que represente globalmente al conjunto.
  • El principio del imperativo territorial. Cada elemento que aparece en el dibujo dispone de su espacio propio e inviolable. En el dibujo infantil es muy raro que aparezcan solapes, ocultamientos o superposiciones.
  • El principio de la forma ejemplar. De entre los posibles modos de representación de un objeto se preferirá aquel que mejor describe sus principales cualidades.
  • El principio de abatimiento. Los elementos eminentemente verticales, tales como las personas serán dibujados frontalmente y los elementos eminentemente horizontales, como las piscinas aparecerán <<a vista de pájaro>>,  de tal manera que siempre se presente al espectador la superficie más extensa del objeto.
  • El principio de simultaneidad de distintos puntos de vista. Cada parte de la figura se dibujará de acuerdo con el punto de vista que más se aproxime a la forma ejemplar de esta parte.
  • El principio de visión de rayos X por el que se dibuja todo lo que sea necesario describir explícitamente en la imagen, aunque para ello haya que hacer transparentes las paredes de las casas o de los automóviles.

¿Qué dibujan las niñas y niños? Trazos y figuras más frecuentes en el dibujo espontáneo infantil.

 Después de haber cumplido un año, hasta que cumplen tres o cuatro años, cuando comienzan a ser claramente reconocibles las figuras que han dibujado, aparece un amplio conjunto de marcas, trazos o garabatos.

 Al final de la etapa del garabateo, la figura humana es uno de los primeros motivos que es posible distinguir o reconocer en los dibujos infantiles y permanecerá como  figura predilecta a cualquier edad.

Las figuras humanas son las más dibujadas. Al final de la infancia este motivo aparece prácticamente en la totalidad de los dibujos espontáneos que hacen los niños y niñas.Después de las figuras humanas el sol es la figura más dibujada. Las casas, los árboles, las nubes aparecen junto a las personas y el sol.

¿Cómo cambian con la edad los dibujos infantiles?

Los dibujos infantiles cambian o evolucionan con la edad. Por ejemplo las primeras figuras humanas que aparecen en los dibujos infantiles alrededor de los cuatro años parecen flotar en un espacio indiferenciado; en cambio las de los siete u ocho años, ya estén de pie o acostadas.

 Las principales clasificaciones por etapas del dibujo infantil son:

Los estudios evolutivos durante los años finales del siglo XIX y la primera mitad del siglo XX.

  • James Sully (1895), propone tres fases:
  1. El garabato como juego.
  2. Dibujo rudimentario de figura humana con cara redonda.
  3. Estadio evolucionado y adquisición de una técnica.
  • Luckens (1896), propuso cuatro etapas:
  1. El niño se interesa por el resultado de su gesto
  2. El niño se interesa por el resultado del dibujo
  3. El niño tiene sentido crítico y descubre su propia influencia figurativa
  4. El niño adquiere autonomía para hacer las cosas con mayor precisión
  • Georg Kerschenteiner (1905), propone tres períodos:
  1. Dibujos esquemáticos
  2. Dibujos en función de la apariencia visual
  3. Intentar dar impresión tridimensional del espacio
  • Rouma (1913), se interesó especialmente por la fase inicial o preliminar, diferenciando una secuencia progresiva de control de los garabatos.
  1. El niño adapta la mano al instrumento
  2. El niño da un nombre preciso a las líneas que traza
  3. El niño anuncia por anticipado lo que intenta representar
  4. El niño observa una semejanza entre las líneas que ha objetivo por azar o ciertos objetivos.

Las décadas comprendidas entre 1920 y 1950 fueron la época dorada de los estudios evolutivos sobre el dibujo infantil.

 En 1921, C. Burt, propuso una clasificación en siete etapas o periodos, algunos de ellos subdivididos, a su vez, en varias secuencias:

  1. Garabateo (2-3 años)
  2. Línea (4 años)
  3. Simbolismo descriptivo (5-6 años)
  4. Realismo (7-9/10 años)
  5. Realismo Visual (10-11 años)
  6. Represión (11-14 años)
  7. Renacimiento artístico (después de los 14 años)

En la segunda mitad del siglo XX, aparecen los siguientes estudios evolutivos:

  • W. Ives y H. Gardner propusieron una nueva clasificación orientada a destacar el grado de influencia del medio cultural en los dibujos infantiles con las siguientes tres fases:
  1. 1-5 años.  Dominio de los patrones universales.
  2. 5-7 años. Florecimiento del dibujo.
  3. 7-12 años. Apogeo de las influencias culturales.
  • D. P. Wolf. Propone tres secuencias en el desarrollo:
  1. 2-6 años. Comprensión de los símbolos pictóricos.
  2. 7-12 años. Comprensión de los sistemas visuales.
  3. 13-18 años. Comprensión de la interpretación.

Las investigaciones sobre el dibujo infantil 

  • Enfoques y objetivos:

El dibujo y el arte infantil es objeto de multitud de experiencias e investigaciones. Puede establecerse una clasificación en tres grandes tipos de investigaciones sobre el dibujo infantil:

  1.     Conocer a la persona o al grupo, a través de dibujos.

A través del dibujo infantil observar o deducir variables o características de la persona que ha realizado ese dibujo.

Muchas investigaciones sobre la infancia recurren a los dibujos infantiles para obtener respuestas muy elaboradas sobre una gran diversidad de temas, ya que todos los niños /as son capaces de realizar dibujos a edades que todavía no usan el lenguaje con fluidez. Por ejemplo el test de inteligencia por medio de la figura humana de Florence Goodenough. En esta prueba obtienen mejor puntuación los dibujos en los que se aprecia mejor las partes del cuerpo humano. También se valora la originalidad, la fluidez, los detalles, y la flexibilidad.

       2.    El dibujo y el arte infantil.

El propósito de las investigaciones que estudian los dibujos que hacen los niños espontáneamente es analizar sus características y explicar sus rasgos.

La mayoría de los dibujos infantiles no son representaciones de escenas estáticas, sino que constituyen narraciones gráficas de acontecimientos complejos, tales como batallas, fiestas, juegos, etc.

Duncum ha propuesto un esquema de diez tipos o categorías para clasificar las formas o estrategias narrativas que utilizan las niñas y niños en sus dibujos espontáneos, que son las siguientes:

  • Acción Narrativa: Los trazos, líneas o garabatos que aparecen en el dibujo representan una acción o secuencia de acontecimientos.
  • Acción Física: Esta es una categoría problemática que necesitas mayor estudio y análisis, tal y como el propio investigador reconoce. Se trata de dibujos que forman parte de una acción o juego más amplio, que puede haber sido originado por el propio dibujo.
  • Superposición: Aspectos sucesivos de la acción se van superponiendo uno a otro, encima del mismo dibujo. El ejemplo típico es el de los dibujos de batallas de los niños que normalmente acaban en una explosión.
  • Repetición: En estos dibujos hay partes de la escena que no cambian y otras, que son las que representan al personaje o al elemento principal de la historia, se dibujan varias veces en los momentos sucesivos de la acción que narra el dibujo.
  • Yuxtaposición: El personaje o elemento principal de la acción se dibuja una sola vez.
  • Evento Gráfico: Consiste en escenas en las que sucede cualquier tipo de acción y que no presuponen necesariamente ni un antecedente ni un consecuente.
  • Evento Secuencia: La escena dibujada corresponde a un momento de una secuencia más amplia.
  • Evento Simultáneo: En un solo dibujo aparecen claramente múltiples eventos, que están relacionados en el espacio pero que no se desarrollan en el tiempo.
  • Objetos Separados: En este caso toda una secuencia narrativa se halla representada por un solo elemento, figura o personaje.
  • Tira de Cómic: Esta modalidad corresponde a la estrategia habitual de los tebeos en los que la historia se narra a través de sucesivas viñetas. 

      3.   El aprendizaje del dibujo: ¿Qué son capaces de dibujar las niñas y niños pequeños?

Algunas investigaciones se orientan a comprender qué estrategias de representación son capaces de desarrollar los niños y niñas más pequeños y otras, en cambio, se plantean averiguar qué estrategias o conceptos gráficos característicos de los lenguajes del dibujo adulto pueden llegar a aprender las niñas y niños en la escuela primaria.

Los métodos de enseñanza del dibujo

 Buena parte de los estudios sobre el dibujo infantil se han desarrollado desde una perspectiva educativa. En ellos se busca conocer mejor los rasgos y peculiaridades de los dibujos espontáneos infantiles a fin de fundamentar adecuadamente una correcta enseñanza de las artes visuales.

  • Las tendencias creativas y naturales: Lowenfeld y Freinet.

Éste tipo de enfoques consideran que dibujar no es una acción extraña o exterior al niño, sino una actividad que surge y se desarrolla de la misma manera que otros procesos de maduración y desenvolvimiento.

Desde éste punto de vista, la principal tarea de la escuela deberá consistir en lograr un clima o ambiente de trabajo favorable a la autoexpresión creativa y al propio desarrollo natural, evitando la imposición de un modelo de representación que sea ajeno al mundo infantil.

 Aprender a dibujar a partir del arte: Wilson y Hurwitz.

Según éste enfoque la fuente principal de estudio para aprender a dibujar en la escuela son las grandes obras maestras del dibujo, con ellas es posible adaptar, elaborar, o profundizar en nuestras propias estrategias gráficas y conseguir una mayor calidad en nuestros dibujos. Las cuatro ideas o presupuestos básicos a partir de los cuales desarrollan su enfoque de enseñanza del dibujo son:

  1. El dibujo debe ser la actividad fundamental de las clases de educación artística.
  2. El mejor método de enseñanza del dibujo en la escuela es el de dibujar recreando las grandes obras de arte.
  3. El mejor método para apreciar y comprender una obra de are es recrearla dibujando.
  4. El mejor método para desarrollar la individualidad, la originalidad y la capacidad inventiva del alumnado es el conocimiento, estudio, recreación y conocimiento profundo de las mejores obras de arte.

La primera fase consiste en hacer consciente al alumnado del problema gráfico que se han planteado en sus propios dibujos y la segunda fase consiste en estudiar cómo se ha resuelto ese mismo problema gráfico en las obras de grandes artistas.

los-40-principales-en-pintores-y-escultores-1529373

Los cuarenta pricipales los he ordenado por periodos (renacimiento, manierismo, barroco, neoclasicismo, romanticismo, realismo, impresionismo, post- impresionismo, puntillismo, modernismo, cubismo, expresionismo, fauvismo, surrealismo, abstracción) porque considero que es importante ver las características que se dan en cada uno  y como influye la sociedad de cada momento en cada uno.

Me ha parecido un trabajo interesante porque muestra que arte pueden ser cosas muy distintas, que no hay una concepción exacta de arte, que arte es lo que la sociedad quiere que sea…

Considero que ésto debería ser visto en clase y intetar que de igual modo tengamos una visión mas amplia, es decir que ante una cosa busquemos distintas perspectivas.

Además he conocido a muchos pintores que no sabía que existian.

 1.     Esquema

TEMA 8

 

2.     Desarrollo del tema

La Evaluación es uno de los aspectos más importantes del proceso educativo.

 Evaluar no es lo mismo que calificar. No es medir el rendimiento de los alumnos sino que sirve para mejorar (adaptando y cambiando) los procesos de enseñanza-aprendizaje, la programación y el aprendizaje de los alumnos.

Evaluamos a los alumnos de primaria, para tener un seguimiento de su evolución en el aprendizaje, para orientarle sobre mejorar su aprendizaje, y para enseñarle como debe él mismo autoevaluarse, y cuáles son los aspectos que tienen más importancia a la hora de corregirse. Es decir para que sepan evaluarse ellos mismos, para que comprendan cuales son los aspectos más importantes y para que sean críticos.

La evaluación debe abarcar la totalidad del  proceso educativo para  poder valorar su funcionamiento y continuamente irlo redireccionandolo.

La evaluación tiene tres fases:

·        Evaluación inicial: se da a principio de curso y permite ver los conocimientos previos del alumnado, es decir el nivel de un alumno, las diferencias entre ellos,… Lo  que permite adaptarnos a la realidad y las expectativas del alumnado, es decir ver las ideas previas, creencias interiorizadas, errores que tienen como verdades,… La evaluación inicial ayuda a evitar que las creencias erróneas frustren el proceso educativo o lo hagan irrelevante por lo que es necesario modificarlas aunque es difícil, y ayuda también a adaptarnos a la realidad del aula.  

 

Por ejemplo: pensar que el arte es un don, porque cualquiera puede aprender a dibujar, pintar, modelar, etc. 

 

·        Evaluación formativa: se da durante todo el proceso educativo (es continua), explica todo lo que sucede, sirve para entender, corregir y mejorar tanto el alumno como el docente como el proceso educativo. La evaluación formativa sirve para ayudar a los alumnos en su aprendizaje.

 

Po ejemplo si vemos que nuestros alumnos tienen problemas  con conceptos, técnicas, procedimientos, etc., lo lógico será facilitarles actividades e información  que les ayude a mejorar en este aspecto, y no calificarles negativamente.

 

·         Evaluación Sumativa: es la valoración final y sirve para comprobar si los alumnos han logrado los resultados esperados.

La evaluación que se ha usado normalmente ha sido la de calificar por medio de un examen,  en la que hay que repetir lo que pone en los libros de texto o lo que dice el maestro, como si fuésemos loros pero así no se produce un aprendizaje de verdad.

examen

Aprender no es repetir, ni utilizar la memoria imitativa, sino comprender.

Por ello hay Cuatro Grandes Concepciones sobres Evaluación según Fernando Hernández:

  • El buen conocimiento es el que se sabe transferir a situaciones nuevas, ya que la sociedad no para de cambiar.

Hay que saber problematizar las imágenes y lo visual y estudiarlo en su complejidad (buscar las razones, los por qué, las consecuencias…).

Por ejemplo en el atentado de las Torres Gemelas no debemos quedarnos solo con las imágenes que todos hemos visto, o con una idea mal hecha sobre el islam y sobre lo que quieren que pensemos que ocurrió, sino que debemos pensar el porqué de ese atentado, las consecuencias y todas las imágenes y cosas que no hemos visto ni sabemos de lo que ocurrió.

atentado torres gemelas

Todos hemos visto imágenes semejantes a esta pero donde están las imágenes de los heridos, de los muertos, de la gente asustada…

heridos11M01 atentado madrid

muertos en el atentado de madrid

Porque en cambio en el atentado de Madrid si vimos imágenes como estas

¿Por qué?

¿Y tuvo repercusiones que nosotros viéramos imágenes tan escalofriantes de los atentados de Madrid?

Yo pienso que sí, ¿qué pensáis vosotros?

  • Debemos aprender cosas nuevas y plantearnos nuevos problemas para encontrar las estrategias  necesarias para resolverlos. Aprender para saber enfrentarnos a situaciones y ejercer nuestra libertad.

Antiguamente, cuando alguien aprendía una profesión, ya la sabía para el resto de su vida mientras que en la actualidad los perfiles profesionales no paran de cambiar, y es necesario aprender a hacer cosas nuevas y a plantear cuestiones nuevas.  Además, hay que saber problematizar la realidad. Es imprescindible para ejercer la libertad.

  • Es  tan importante el resultado final como el proceso de aprendizaje, donde el alumno va adquiriendo los nuevos conocimientos y puede verse cómo evoluciona.
  • El saber cómo capacidad para buscar de forma selectiva, ordenar e interpretar información, para darle sentido y transformarla en conocimiento.
  • Aprender  a aprender es una de las competencias más importantes hoy día para la educación, porque faltan muchos conocimientos por descubrir e inventar.

internet

Por ejemplo hace uno años era impensable internet.

El alumno debe aprender a hacer las cosas bien, las técnicas, pero lo importante es lo que se aprende con ellas, no la técnica en sí misma.

Cada vez es más importante no sólo saber muchas cosas, sino sobre todo saber buscar y procesar información para obtener conocimiento relevante. Saber comprender y dotar de sentido a la información “en bruto” que recibimos.

Estas cuatro concepciones debemos tenerlas en cuenta en la evaluación independientemente de los criterios que estemos utilizando.

Hay cosas que nunca debemos de evaluar:

  • Nunca debemos calificar o juzgar a las personas

empollon

Por ejemplo no debemos poner etiquetas.

  • No tenemos que considerar nuestra evaluación, ni la calificación que demos, como un juicio definitivo.

Por ejemplo si a un niño le sale un ejercicio mal otro le puede salir bien, incluso ese mismo puede mejorarlo. Porque no somos nadie para decirle a un niño que no es capaz de algo. Todos somos capaces.

  • Jamás la usaremos como un modo de presionar excesivamente o humillar (tal vez sin darnos cuenta) al alumno.
  • Procuraremos no establecer comparaciones innecesarias entre alumnos.

No se compraran a las personas, en todo caso el trabajo pero siendo cuidadosos.

La misión de la evaluación es informar y sobre todo ayudar al alumno a mejorar. El docente debe enseñarles a hacer las cosas e indicarles en que se equivocan. No juzgarles sino indicarles cómo se puede mejorar.

Por ejemplo si un dibujo está mal podemos decir lo está por esto y por aquello pero lo que no podemos decir es: “no sabes dibujar”, “dibujas mal”, “no sirves para”, “es que no te enteras”, etc.

Siempre debemos aportar a los trabajos mal hechos soluciones y confianza.

Y no debemos tampoco hacer juicios generales a partir de casos muy particulares.

Por ejemplo si a un niño no se le da del todo bien el dibujo, puede que se le dé bien modelar, o cualquier otra cosas.

Es muy frecuente que niños poco destacados en alguna cosa, sin embargo sean excelentes en otras.

Nuestros criterios de evaluación deben de estar fundamentados.

Es decir para establecer los criterios de evaluación tenemos que saber que queremos enseñar (que aprendan los alumnos) y para qué. Las competencias y objetivos que queremos alcanzar.

¿Qué criterios de evaluación podemos usar?

Los criterios de evaluación que podemos usar son:

  • Competencias generales y criterios básicos (como los de Fernando Hernández).
  • Atender los criterios de evaluación que vienen en la ley (LOE), en el diseño curricular
  • Completarlos en nuestra programación con criterios de evaluación y calificación más concretos y adaptados a nuestros alumnos y nuestro contexto: éstos los fijamos nosotros
  • Matizarlos y complementarlos con las indicaciones que sobre evaluación nos dan los especialistas en la materia: a través de libros, congresos, cursos, etc.

Además de los criterios que usemos para cada actividad, también es importante establecer algunos criterios comunes para todas las actividades:

  • Una adecuada presentación de los trabajos, en todos los sentidos: estético, orden, congruencia, etc.
  •  Una utilización razonable de las técnicas y procedimientos.
  •  La aplicación práctica de los temas ya vistos en el curso.
  •  La capacidad de transferir conocimientos a nuevas situaciones.

Criterios extraídos de Hernández, Fernando “Educación y Cultura Visual”.

  • el conocimiento y la comprensión sobre los fenómenos y problemas relacionados con el Arte, las obras y los artistas
  • la capacidad de dar forma visual a las ideas
  • la argumentación que apoya temas y cuestiones relacionadas con el Arte
  • la descripción, análisis e interpretación de las obras artísticas y de sus significados
  • la curiosidad, inventiva, innovación, la reflexión y la abertura a nuevas ideas
  • la claridad a la hora de expresar ideas, de manera oral y escrita, sobre el Arte
  • el expresar y sintetizar ideas en las discusiones sobre Arte o sobre las producciones artísticas
  • la diferenciación de las cualidades visuales en la naturaleza o el entorno humano
  • la participación activa en todas las actividades
  • la competencia en la utilización de las herramientas, los equipos, los procesos y las técnicas relacionadas con las diferentes manifestaciones de la cultura visual
  • las actitudes hacia las manifestaciones artísticas y su papel en la vida de las personas

Para realizar una buena evaluación, además de todo lo anteriormente dicho debemos tener en cuenta las siguientes afirmaciones:

  • Los criterios de evaluación tienen que estar concretados, ya que si no lo están no se puede evaluar correctamente. Además los objetivos y criterios de evaluación tienen que estar en consonancia con el nivel educativo, la edad, el contexto de cada alumno.

dibujos-tarta-cumpleanosdibujos-infantiles-pintar

Actividades de colorear para niños primer ciclo, que desarrollaría la sicomotricidad fina (el no salirse y el contraste de colores)

venda-tu-la-llevas-t12935

Dibujos que pueden ser hechos para trabajar las sobras y el movimiento y que resulten interesantes para niños de tercer ciclo.

Por ejemplo un dibujo fácil de colorear puede ser una actividad interesante para niños de primer ciclo pero para los de tercer ciclo será algo aburrido porque es algo poco ambicioso para ellos. Y a los niños de primer ciclo no le podemos poner las actividades de los de tercer ciclo porque se desmotivarían y se sentirían incapaces.

Además de tener en cuenta como se cumplen los criterios previstos debemos valorar el avance que estamos observando porque puede que un niño además de conseguir los objetivos previstos también alcance objetivos superiores para su edad.

  • Según el momento debemos priorizar unos criterios sobre otros.

playa

Por ejemplo si un niño hace un dibujo a principio de curso para contar a la clase donde ha estado en el verano, le daremos más importancia a los aspectos narrativos que a la técnica.

  • Los criterios que utilicemos tienen que ser flexibles, para que puedan abarcar las distintas individualidades de nuestros alumnos y también las distintas culturas de las que parten y a las que pertenecen.

niña niño negro

No es lo mismo  trabajar con un niño de Europa que desde pequeño ha estado en guarderías, le han leído, regalado libros para colorear, que tiene unas ideas por la cultura a la que pertenece; que con un niño de África que puede que nunca haya ido a una escuela, ni haya tenido libros, etc..

Muchas veces aplicamos mal los criterios de evaluación y evaluamos cosas distintas a las que deberíamos evaluar si nos atuviésemos a los objetivos que perseguimos.  Por ejemplo valoramos según nuestros gustos, opiniones, lo que es un gran error. Porque nuestro gusto sería un criterio injusto para nuestros alumnos. Por eso hay que tener claro que queremos evaluar, los objetivos que perseguimos, y en qué argumentos y valores nos fijaremos.

Sólo es posible valorar con cierta objetividad algunos aspectos plásticos/estéticos de una obra: limpieza de trazo, uso del formato, manejo de la técnica, etc. Y siempre dentro de unos márgenes amplios.

monet146

Por ejemplo Monet fue despreciado al principio por el tipo de su pincelada y ahora es considerado un genio.

Por lo que diremos que muchos aspectos son difíciles de evaluar y por ello debemos tener muy claro todo lo anteriormente dicho.

Ya que en las obras de los adultos se juzga la calidad estética y plástica a partir de unos determinados argumentos, nosotros podemos trabajar con los alumnos de igual manera.

Es importante que los alumnos conozcan cómo se juzgan las obras de los adultos (normalmente depende de un acuerdo social), y también qué argumentos o qué razones pueden tener en cuenta a la hora de juzgar sus propias obras.

Una pregunta que debemos hacernos es: ¿Qué evaluamos? Hay  distintos puntos que debemos evaluar que son:

  • Evaluamos datos, hechos y conceptos.

Los datos, hechos, son conocimientos que hay que saber sin más, son objetivos (por ejemplo el abecedario, los colores…). Por lo que evaluarlos es sencillo pero como no son suficientes recurrimos a los conceptos.

colores calidos y frios

Por ejemplo siempre se da es el conocimiento de los colores fríos y cálidos, que es algo sencillo. Pero con saber estos datos no es suficiente para comprender una obra.  Por lo tanto, estos datos son necesarios pero no suficientes.

Es preciso que los alumnos formen conceptos correctos sobre lo que aprenden, los cuales no son fáciles de evaluar por lo que tendremos que usar más de un instrumento evaluador.

  • Procedimientos: Aunque hay procedimientos que se puede evaluar con pruebas objetivas o concretas, pero cuando el proceso se complica ya no es tan fácil evaluarlos ya que hay soluciones distintas y muchos factores distintos que valorar.

En Educación Artística los procedimientos más importantes son los relacionados con la búsqueda y utilización de información, de diálogo, de comunicación, de intercambio de información y la utilización adecuada del lenguaje.

  •  Actitudes: evaluar las actitudes es muy complejo. En éste  punto debemos evaluar actitudes como la perseverancia, interés, el esfuerzo, la convivencia, etc. y también debemos evaluar actitudes específicas de la Educación Artística como la capacidad de análisis y comprensión crítica de la realidad, la actitud investigadora y la creatividad.

La creatividad es muy importante, favorece el pensamiento complejo y el divergente, y es una cualidad imprescindible en el mundo actual, ya que es necesaria para saber buscar soluciones, plantear nuevas cuestiones y retos.

Ser creativo es necesario para tener una personalidad sana y libertad.

A la hora de evaluar la creatividad debemos tener en cuenta no confundir creatividad con novedad u originalidad, no solo interesa la novedad por novedad, aunque se debe fomentar las nuevas soluciones, ya que gracias a la búsqueda de soluciones distintas se ha inventado cosas como los clips, etc.

En educación artística, los objetivos son abiertos, ya que sabemos dónde queremos que vayan los niños, pero no sabemos dónde van a llegar ya que no hay una solución única a los ejercicios que se propongan.

Fundamentalmente hay dos maneras de evaluar:

  • Evaluando instrumentos puntuales: es decir exámenes, cuestionarios, fichas, entrevistas, etc. Que nos van arrojando una serie de “hitos”, con respecto a los cuales valoramos el proceso.

En educación artística son importantes las obras de los alumnos porque haciéndolas aprenden a mirar, pensar y crear. Con lo que aumentan su autocompresión y su visión crítica positiva. Los alumnos en sus obras pueden transferir sus conocimientos a un nuevo objeto, que es propio.

Además con la creación de esas obras disfrutan, desarrollan destrezas, aprendizajes de hábitos, orden…. Es una manera de expresarse, comunicarse  y un excelente modo de trabajar en la construcción de su identidad.

El trabajo plástico (en el cual se debe combinar comentarios, debates, búsqueda de información, con otras estrategias y ejercicios basados en la elaboración de dibujos y otros artefactos) es un modo de aprendizaje que no se puede sustituir con otro tipo de trabajos.

  • Evaluando procesos, como la radio, el profesor, y el diario de los alumnos. Recogen el proceso de una manera más compleja pero suponen una notable carga de trabajo adicional para el docente. El portafolio es un  instrumento que también recoge el proceso completo y permite una reconstrucción del proceso seguido y del aprendizaje.

  portafolio

Un ejemplo de evaluando procesos es este blog, que no se limita a lo que el profesor dice en clase sino que también permite investigar y decir lo que uno piensa.

Otro ejemplo es un proyecto de trabajo.

Sea cuales sean los instrumentos de evaluación que utilicemos, es necesario que combinemos instrumentos diferentes, que midan capacidades y aspectos distintos. Cuantas más formas de evaluación tengamos, más fiables serán los juicios que obtengamos.

Si se utiliza el mismo tipo de prueba solo se evaluara una parte del aprendizaje y el alumno se acostumbrara a trabajar para ese tipo de prueba y no para aprender.

Por ejemplo podemos evaluar en un dibujo, el tema,  la técnica utilizada, el color, la creatividad.

Procedimientos de evaluación:

·         Reproductivos. Consiste en aprender un determinado procedimiento y luego volverlo a repetir de la misma forma.

eiffel-tower

dibujo torre eeifel

·         Investigativos/ de reconstrucción.  Es preferible las pruebas de reconstrucción del conocimiento, las narrativas, de investigación, proyectos de trabajo, porque con ellas el alumno se ve más implicado, le encuentra sentido a las cosas, aprende mas sobre él mismo.

Otros modos de evaluar

Además de las formas de evaluar que se han mencionado anteriormente hay otras formas ya que no siempre vamos a tener a un docente por lo que ellos también deben de aprender a evaluarse, ha hacer una autoevaluación de su trabajo o una evaluación en grupo, o evaluación conjunta o una triangulación.

 La triangulación: consiste en recoger información desde diferentes puntos de vista, realizando comparaciones múltiples de una misma evaluación y combinando metodologías en su análisis. Para éste tipo de evaluación, el docente debe dejar a los alumnos que decidan sus notas, aunque él los guíe en el proceso. Esto ayuda, a que el niño sea más responsable de su trabajo y asume mejor los resultados del mismo.

En Educación Artística la evaluación es en grupo, por lo que  todos los alumnos participan, así comparten los argumentos, ven los errores de los demás, y aprenden unos de otros. El diálogo y el intercambio de información son fundamentales para construir un aprendizaje adecuado.

Un caso especial en Educación Artística: cuando el alumno decide no seguir con un trabajo y abandonarlo

Debemos valorar el proceso completo y no solo los productos finales, por ello puede que a veces nos demos cuenta que un proceso exige abandonar una parte del proyecto.  Esto puede ser un éxito, porque el alumno está de verdad comprendiendo como se aprende y que es lo importante, y ya ha aprendido del aparente fracaso. Entonces se  iniciará un nuevo ejercicio en el que aplicar mejor lo  aprendido del error anterior. Y acabar el ejercicio dejado es también otro aprendizaje.

El alumno es un individuo, por lo tanto deber ser tratado como tal, valorando sus circunstancias familiares, personales, etc.

El proceso de evaluación tiene que estar presidido con respeto al alumno y hacia su trabajo. Debe de ser un proceso personal, en el que el alumno se sienta siempre identificado e incluido.

3.     Propuesta didáctica.

Criterios de evaluación de educación plástica en primer ciclo de primaria:

  1. Identificar en un objeto sus elementos visuales básicos: forma, color, tamaño y volumen.
  2. Distinguir y utilizar colores primarios y secundarios.
  3. Aplicar los recursos básicos del lenguaje-visual plástico (línea, figura, esquema y color).
  4. Conocer y utilizar técnicas específicas del lenguaje plástico: collage, pintura, modelado…, para producir representaciones plásticas.
  5. Conocer las posibilidades de utilización correcta de distintos materiales y útiles plásticos y su conservación.
  6. Conocer y experimentar las posibilidades expresivas del propio cuerpo.
  7. Hacer representaciones treatales, murales, …
  8. Calcar cuadro famosos con el fin de que tammbién aprendan a través de la observación de otros pintores, dandoles después un rasgo propio.

Además de lo anterior tenemos que tener en cuenta:

  • La observación sistemática de las actitudes personales del alumno/a, de su forma de organizar el trabajo, de las estrategias que utiliza, de cómo resuelve las dificultades que se encuentra, etc.
  • Hay que extremar la observación en los grupos de dos alumnos/as que trabajan juntos en el aula, en las tareas de investigación en equipo e, individualmente, y en la resolución de las actividades.
  • La revisión y análisis de los trabajos de los alumnos/as es otro instrumento que nos permite comprobar los materiales que han ido “produciendo”  a lo largo del curso. Se debe revisar y corregir de forma continua el cuaderno de clase; se revisarán y corregirán los trabajos individuales, en equipo o de investigación que presenten los alumnos/as, así como las conclusiones que presenten de su trabajo en el aula; se analizarán sus exposiciones, etc.
  • La entrevista con el alumno/a, ya sea individualmente, ya sea en pequeños grupos, es un instrumento de gran utilidad, sobre todo cuando predomina el  trabajo práctico.
  • Hay que resolver las dudas que se plantean los alumnos/as a la hora de la práctica, y utilizar el caudal de aprovechamiento del alumno/a y la intensidad de su ritmo de aprendizaje.
  • Realizadar  actividades de refuerzo y ampliaciones  necesarias.

Considero que además de estos criterios se deberían tener en cuenta otros como el proceso de aprendizaje del alumno, el interés, la actitud crítica, la búsqueda de más información y de nuevas posibilidades, su capacidad de aprendizaje, el entorno que le rodea,…para que la evaluación sea lo más justa posible.

Pienso que no solo se deben tener en cuenta criterios teóricos, sino también prácticos. Y que deben ser diferentes para cada niño, adaptándose a sus circunstancias y cualidades. Ya que se pretende que cada niño construya su propia identidad.

Por último, es importante realizar, al final, una reflexión sobre lo aprendido y cómo se ha aprendido y, también, sobre lo enseñado y cómo se ha enseñado, es decir, un ejercicio de autoevaluación y de coevaluación que ayude a mejorar, por un lado, el proceso de aprendizaje del alumno/a y del grupo-clase y, por otro, la práctica docente.

4. BIBLIOGRAFÍA

 ESQUEMA DEL TEMA

 TEMA 7

DESAROOLLO PERSONAL DEL TEMA

La Educación Artística en Primaria es una asignatura que desarrolla aspectos muy importantes (como la expresividad y la creatividad) en los niños.

dibujo%20infantil

Pero no es aprender a dibujar, aunque procuraremos que aprendan a dibujar pero no es nuestro objetivo primordial, no es hacer trabajos manuales, no tiene que ser una actividad sencilla, es tan teórica como otras materias, es tan manual como la lengua. La Educación Artística tiene que ser teórico- práctica.

Hay cuatro modelos de educación artística diferentes, estos modelos son:

1.      Educación artística basada en el proceso, vinculada al sistema productivo.

Es el modelo más antiguo de todos. Busca que los alumnos aprendan a dibujar, a pintar, a que adquieran destrezas y procedimientos.

Surge en el Siglo XVIII, a causa de la revolución industrial, que precisaba un conocimiento muy fuerte en dibujo técnico.

Se basa en hacer cosas bien hechas técnicamente y que sean estéticas, es decir perfectas y bellas. El aprendizaje en éste modelo se realiza a través de copias.

INSTRUMENTO

El dibujo técnico es importante pero, evidentemente, no en primaria.

DIBUJO TECNICO

De éste modelo nos interesa:

–          Los niños deben aprender a utilizar algunos materiales y procedimientos, pero sin pretender que los niños dibujen como adultos.

–          A partir de los 10-12 años, si aparece el caso, podemos enseñar tradicionalmente. Esto sucede porque con esa edad quieren pintar de manera realista.

poni

Dibujo realista

–           El dibujo introduce en el niño hábitos de orden y autodisciplina.

–           Dibujar nos ayuda a dominar la psicomotricidad fina, a desarrollar la capacidad de planificación, a desarrollar la visión espacial, a reforzar la capacidad de atención, a desarrollar la apreciación y expresión estética, etc.

Problemas de este modelo:

  • Es obsoleto, ya que el 99% de las imágenes que se crean hoy en día no se crean dibujando, sino con cámaras digitales, ordenadores…

dibujo hecho por ordenador

  • Copiar en general no sirve de mucho.
  • Los dibujos no tiene porque ser bonitos, pero si tiene que estar pulcro y bien acabado.

Hay muchas maneras distintas de miras las cosas.

2.      Educación artística para la creatividad y la autoexpresión:

Surge a principios del Siglo XX, después de II Guerra Mundial. Se basa en la autoexpresión (que expresen mucho), no interesa el resultado estético sino la creatividad, hay libre expresión.

Se baso en la en la experiencia de pintores de la época, pintores innovadores y originales (vanguardias).

Ejemplo Mito de Van Gogh, y dibujo infantil espontáneo

Es todo mentira porque las gentes de las Vanguardias primero aprendieron técnica y cuando ya la comprendían y después innovaron.

Van Gogh aprendió a dibujar con el tiempo.

  También se basa en el descubrimiento del arte infantil, es decir, el arte espontáneo de los niños que se supone que no se copia de nadie, lo cual también es mentira, ya que muchos de los dibujos de los niños están basados en estereotipos.

dibujo estereotipado

Los niños tiene un esquema de las cosas estereotipado, por eso todos los dibujos sobre casa suelen ser parecidos.

El modelo de autoexpresión, se basa en conceptos contradictorios, en falsedades y sin embargo ha durado 80 años:

  • Los dibujos de los niños no siempre son espontáneos ya que muchas veces están marcados por estereotipo. Y si realmente los niños se expresaran en libertad ¿Para qué sirven los docentes?
  • “el artista nace, no se hace” si pintar es un don ¿Para qué enseñar al niño que no ha nacido con él? Debemos saber que esto es mentira y que cualquier persona puede llegar a pintar bien.
  •  El desarrollo de la creatividad se produce para plantear y solucionar problemas.  Es decir, la creatividad es estimulada por retos.
  • Muchas cosas no son creativas, ni autoexpresivas, y son necesarias. Por ejemplo el dibujo técnico, etc.

Los aspectos positivos de este modelo:

  • Es necesario fomentar en los niños que aprendan a expresarse y a apreciar sus propias creaciones
  • Para los niños el arte y el dibujo son medios para  conocer y narrar. Es importante que los niños sepan usarlos para contar cosas
  • Y tenemos que fomentar que sean creativos, que busquen soluciones diferentes, originales, propias con sentido reflexivo.
  • Las artes ayudan a desarrollar el pensamiento divergente imprescindible para ser autónomo, creativo y libre en cualquier campo de la vida y del saber

El  máximo error del modelo de la autoexpresión era pensar que los niños se expresaban espontáneamente por lo que no tiene en cuenta la zona de desarrollo próximo.

–          Debemos enriquecer el vocabulario plástico de los niños.

–          Mejorar su modo de expresión

–          Mostrarles obras de arte, ya que muchos solo las pueden ver en la escuela. 

3.      Educación artística para el desarrollo de la percepción y la alfabetización.

Surge con la LOGSE y sigue estando presente en la LOE, es decir,  es el vigente. Surge ya anticuado ya que está basado en supuestos importantes pero está equivocado.

 Busca hacer disciplinar la materia. Dice que hay un lenguaje visual, y que los niños tienen que aprender sus componentes (línea, círculo cromático, punto, etc.).

circulo_cromatico

Afirma que hay que educar al niño como consumidor de imágenes ya que vivimos en una sociedad de consumo. Hay que leer las imágenes, tanto los denotativos (lo que se ve) como los connotaditos (lo que quiere decir).

Este modelo se produce en los años 90 porque los “expertos” leen los libros de hace cuarenta años que ahora se traducen aquí.

Los problemas de éste modelo son:

–          El arte no es un lenguaje y si lo es no funciona como tal. Saber cómo funciona el lenguaje no significa saber emplearlo utilizarlo.

–          Insiste mucho en ver los aspectos técnicos de la obra, los cuales no ayudan a comprenderla, por lo que muchas veces no se ve lo que hay detrás de ésta.

–          Las personas no somos consumidores de imágenes, nosotros construimos la realidad con éstas y tenemos que reflexionar como construyen la vida.

–          Las actividades empleadas en este modelo suelen ser aburridas, por ejemplo hacer círculo cromático.

circulo cromatico

–          La lectura de imágenes no sirve ya que lo que da la información no es la obra en sí sino el contexto donde se sitúan.

–          Lo que importa en las imágenes es el contenido, que va sujeto a otras imágenes, contextos, …

Lo que nos interesa es conocer los elementos del lenguaje plástico como útil no como lo más importante.

4.      Educación Artística para la comprensión crítica y performativa de la cultura visual.

Surge a finales del Siglo XX. Quiere conseguir una educación artística para la comprensión, es decir que sea significativa. Tiene que relacionarse con las cosas que son importantes para los alumnos. Si mis alumnos son el 75% gitanos indagaremos en la cultura gitana, si mis alumnos les interesa el tuenti pues indagaremos en él.

Por lo tanto parte de temas relevantes y no utiliza solo las obras de arte porque la mayoría de las cosas con las que nos relacionamos no son arte, por ejemplo la publicidad.

Trata reflexionar sobre las imágenes, es decir comprenderlas. Ver porque nos fascinan, nos gustan, quién está detrás, qué interés tiene, etc.

hiperrealidad princesas disney

Por ejemplo ver como fascina a los niños  y no tan niños Disney, porque son así las princesas Disney,…

empresario

Por ejemplo ver porque imágenes aparentemente democráticas siguen teniendo cosas machistas. En esta imagen es de empresarios y parece democrática porque hay tanto hombres como mujeres pero podemos ver que ambas mujeres llevan falda y no pantalones, luciendo unas bonitas piernas, tacones, e incluso el pose de la mujer de arriba es un poco…Además promueve la iniciativa y los alumnos tienen la posibilidad de investigar por sí mismos

En este modelo lo más importante  es aprender a usar el dibujo no a dibujar a no ser que quieras ser artista. Y comprender las cosas para lo que antes hay que ser capaz de reflexionar, crear y hacer.

 Desde éste modelo cualquier imagen es buena para empezar ya que todas las imágenes son relevantes estéticamente. Por ejemplo: Van Gogh

SorrowVan_Gogh

En su obra Sorrow lo que hace es manifestar que estas mujeres tienen dignidad, e importan sus cuerpos y sentimientos. Hay que ver más allá de las apariencias y reivindicar nuevos modos de ver y de crear.

Éste ha sido el modelo utilizado por José Pedro en aula de educación artística.

Para mí este modelo es el mejor aunque también utilizaría cosas de los otros para que los niños del futuro no tengan tanto miedo como teníamos nosotros (a principio del curso) a pintar, crear,… lo que provoca la reflexión y la comprensión, para ser más libres.  Desde pequeños los niños tienen que poder expresarse y hablar. Todas las personas tenemos derecho a tener voz. VER + COMPRENDER + CONTAR.

PROPUESTA DIDACTICA

Considero que de los cuatro modelos explicados en el desarrollo de este tema el que más presente ha estado en las alúas de primara y en el Decreto de Educación en España es el modelo C, Educación Artística para el desarrollo de la percepción y la alfabetización visual, que surge con la LOGSE y sigue estando presente en la LOE, es decir,  es el vigente.

Las características que yo he visto de este modelo que están presentes en las clases de los alumnos de primaria son:

  1. Los niños tienen que aprender un lenguaje visual (líneas, punto, círculo, etc.)
  2. El niño como consumidor de imágenes.
  3. En las obras importan muchos los aspectos técnicos.
  4. Suelen darse actividades aburridas, reiterativas, descontextualizadas.

Los aspectos negativos que le veo a este modelo son que no tienen en cuenta que las imágenes nos construyen y no podemos ser simple consumidores de éstas,  que se tiene que saber unos criterios básicos pero que no es lo más importante, que las obras se tienen que comprender, entender mediante el conocimiento complejo, no solo saber los aspectos técnicos, y que las actividades deben tener sentido para los alumnos. Además las actividades deberían ser una diversión educativa.

Pienso que el modelo que se debería de utilizar en las clases de Educación Artística de primaria es el D, Educación Artística para la comprensión crítica. Y en todas las aulas.

Porque hace que los niños tengan una visión crítica, piensen,  que construyan cosas propias, que sean más libres y que tengan más autonomía características que considero muy importante en la sociedad que estamos y en el futuro. Además es un modelo significativo, plural y abierto.

BIBLIOGRAFÍA

ESQUEMA DEL TEMA

TEMA 6 

DESARROLLO PERSONAL DEL TEMA

Las imágenes y lo visual

En todas las imágenes y lo visual están presentes componentes de lo humano relacionados entre sí. Los humanos son:

–   seres individuales (cada persona tiene una manera de ser, de pensar, es decir cada persona tiene una realidad distinta).

rafa-nadal-wimbledon minusvalido241008

No tendrá la misma manera de pensar sobre el deporte  un famoso deportista tenista como lo es Rafa Nadal que un hombre minusválido.

–   seres sociales (dependen de una sociedad determinada en la que viven).

seres sociales

El ser humano es social por naturaleza.

–   seres culturales (según la cultura en la que se desarrolle un individuo tendrá unos valores, pensamientos, costumbres, hábitos…). Por ejemplo en España un saludo se hace mediante dos besos en la cara o con un estrechamiento de manos y en cambio en Rusia se hace mediante un beso en la boca.

saludo con estrechamiento de manos saludo yudo

Estas dos imágenes son un saludo pero como vemos son diferentes, depende de  lo mencionado anteriormente.En judo lo típico es saludarse inclinadose como símbolo de respecto hacia el adversario y  en españa la costumbre general es saludarse con un estrechamiento de mano o con un beso en la cara.

Son el producto final de interacciones innumerables entre canales de comercio  y distribución; espectadores (los demás y uno mismo); imaginario, cultura tópicos, estilos, modas; autores y encargantes;  historiadores, críticos, museos, comentaristas; realidad, relatos, historias, pasado y presente, etc.

Las imágenes a su vez influyen en todo lo dicho anteriormente, pero lo más importante es que marcan, crean nuestro modo de pensar y ser.

Por ejemplo La Piedad de Miguel Ángel.

piedad-miguel-angel

Desde el punto tradicional de la historia del arte diríamos que esta obra es de Miguel Ángel, es la única escultura firmada  por él, se encuentra en San Pedro del Vaticano, detrás de un cristal, es del periodo renacentista, es de carraga, tiene forma de estructura piramidal,  la virgen es joven, los pliegues del ropaje de la virgen hace contraste con el cuerpo de Cristo, la mano de la virgen tiene señal de ofrecimiento, tiene muchas imitaciones, la más famosa es la de Juan Bautista Vázquez.

Desde el punto de vista del conocimiento complejo deberíamos hacernos muchas más preguntas sobre esta obra como por ejemplo:

–  ¿Quién es Miguel Ángel? ¿Con qué intención la creó? ¿Por qué la consideramos importantes? ¿Quién decidió que era importante? ¿Por qué en el Vaticano está esta obra?

Debemos ver la obra en sí y no el nombre La piedad de Miguel Ángel. De este modo veremos una mujer con muchas telas (la virgen) que tiene en sus brazos a un muerto (Cristo). Hacemos esta asignación porque en la cultura cristiana es importante la virgen como signo de fe y pureza, y Cristo ya que es nuestro salvador.

Desde mi punto de vista esta escultura representa la vida y la muerte, debido al miedo que el hombre tiene a dejar de vivir. Por ello muchas personas viven con la esperanza de una vida posterior divina, porque es más bonito verla así que como el fin de todo. ¿Y en que influye esto? Esto influye en nuestro comportamiento ya que si somos buenos nos salvaremos sino no. Etc.

Con este tipo de análisis llegamos a la conclusión de que esta obra construye nuestra identidad. Todas las cosas tienen detrás muchos aspectos que nos influyen. Esto se denomina conocimiento complejo. En el segundo análisis hemos tenido en cuenta el poder, la cultura, la religión, la preocupación de las personas por la muerte, identidad,…

La Piedad de Miguel Ángel no es una cosa sino que es algo que construye nuestra ideología, nuestra identidad.

 

Podremos elegir como nos influyen las cosas a través de este conocimiento complejo. Para ello hay que tener en cuenta:

  • Huir de las “INTERPRETACIONES CORRECTAS”.

En la escuela nos han enseñado que para la mayoría de las cosas hay explicaciones correctas pero esto no es así ya que para una cosa puede haber varias interpretaciones distintas (por ejemplo cuando al principio de curso dibujemos la silla, y salieron dibujos diferentes). Las interpretaciones de factores como la cultura, el entorno familiar, la raza….

Es preciso entender que hay no una, sino que HAY MUCHAS POSIBLES MANERAS DE ENTENDER LAS COSAS

Las interpretaciones son posibles y lo importante es que estén fundamentadas. De una misma cosa pueden salir muchas interpretaciones (como la silla) y son muy diferentes.

Hay que dar voz a los niños. Hay que escuchar los distintos puntos de vista y luego desde el diálogo razonar. Debemos conectar las cosas con la realidad.

El currículum y el libro de texto no son suficientes, hay que abrir la visión cultural y tener una visión crítica que cuestiones las cosas.

No se trata de admirar sino de comprender las imágenes que nos rodean, las cosas, y para ello se deben cuestionar lo dicho.

Las cosas pueden ser de muchas maneras, por ello un maestro debe ayudar al alumno a buscar posibilidades, a no quedarse con lo de siempre, a tener un pensamiento divergente.

  • Las artes son “MATERIAS MAL ESTRUCTURADAS”.

Las artes no tienen una estructuración clara y constante. Como el arte no sigue parámetros  ni reglas fijas para estudiarlo es recomendable utilizar una investigación intensiva o cualitativa.

Por ejemplo no es lo mismo analizar la pintura de un cuadro que analizar un anuncio publicitario.

 La  realidad es muy compleja y es necesario conocer información de varias fuentes.

Por ejemplo en matemáticas el resultado siempre es igual use un método u otro ya que todo sigue unos principios. En cambio en historia, arte,… con los principios no es suficiente, porque lo lógico también importa y cada obra de arte es un ejemplo separado.

El arte es diverso y muchas obras no tienen nada que ver con otras.

Las explicaciones sencillas no son válidas. El 20 o 30% de los conocimientos de los libros de texto son errores y están anticuados.

Como futuros profesionales de la docencia debemos utilizar los libros de texto como instrumento de apoyo.

El contexto es muy importante y lo puede cambiar todo.

  • El valor cognitivo de las artes

Hay que buscar en las imágenes interpretaciones complejas, en las que cuanto más aspectos tengamos en cuenta mejor. Así tendremos una compresión mayor.

Debemos evitar las respuestas fáciles cultivando las preguntas, buscar nuevas informaciones que nos permitan elaborar respuestas y explicaciones.

Las imágenes y lo visual son una representación de la realidad que intentan parecerse más o menos a la realidad. Pero lo que hay que tener claro es que nunca son la realidad; pueden ser:

  • representaciones reconocibles de la realidad. Al máximo grado de figuración es hiperrealismo y mímesis (copia de la realidad).
  • realidades nuevas.
  • e incluso pueden no parecerse en nada a la realidad. A éstas las llamamos “abstractas”. La abstracción puede ser de varios tipos: orgánico, geométrico, gestual, etc.

Además hay posibilidades intermedias entre el realismo absoluto y la abstracción.

El grado de figuración depende de la función para la que sirva la imagen.

Tipos de imágenes según su función.

Las imágenes pueden ser:

  •  “informativas”. Hay de muchos tipos: científicas, técnicas, identificadoras, codificadas, simbólicas, explicativas, testimoniales, etc.…

imagenes informativas camara comr

Ambas imágenes son informativas pero se ve claramente que son de distinto tipo y nos informan de cosas muy distintas. La primera nos da información sobre cómo conducir mientras que la otra nos da información sobre la Cámara de comercio de Sevilla.

  • Otros tipos de imágenes: Ornamentales, Conmemorativas, Publicidad, Entretenimiento, Pornografía, etc.

shinchan 3E700.06.la.02.cl.lr.49.eps

La imagen primera es de entretenimiento ya que hace referencia a unos dibujos animados y la segunda es de publicidad sobre belleza femenina.

publicidad de nike para el mundial anunciosss

Ambas son imágenes publicitarias pero son totalmente diferentes, tanto por lo que anuncia como por la manera de expresarlo…

  • Imágenes “obras de Arte”: Arte pueden ser muchas cosas. Se han ensayado muchas posibles definiciones de Arte según la técnica (escultura, pintura), la calidad estética, la función que cumplían, la intención del autor, etc. En el Arte siempre ha habido tópicos como: el Arte está hecho a mano, es difícil, valioso, bello, expresivo, etc.

Saturno_devorando_a_sus_hijos velazquez-las-meninas

Aquí vemos dos obras de Arte. La primera es “Saturno devorando a un hijo” (¿Qué tiene de bello esta obra?) y la segunda es “la Familia de Felipe IV” más bien conocida como “Las Meninas”. Podemos percibir a simple vista que son totalmente conceptos diferentes de Arte.

Clasificar algo como Arte es complejo ya que hay muchas posibilidades distintas, pero según mi punto de vista es más bien es un acuerdo social.

A lo largo de la historia, el arte ha servido para muchas cosas, a veces muy distintas: Decorar, narrar, enriquecer, investigar, educar, hacer publicidad, dominar, explorar, recordar, advertir, adorar,  expresar, entender, revelar,…

El arte es un medio de comunicación y expresión. Un medio para comprendernos a nosotros mismos y para comprender lo que nos rodea.  Lo que nos interesa es aprender a disfrutar y comprender tanto las obras de arte como las imágenes que nos rodean y las que nos construyen de determinadas maneras.

Un educador debe ayudar a que los niños tengan experiencias estética, a que creen arte, a que transmitan, a hablar en condiciones de igualdad.

Y concienciarles de que todos pueden crear imágenes y objetos interesantes.

Canales de difusión de lo visual

Las imágenes de difusión social llegan a nosotros a través de una serie de canales de difusión:

  • Los medios de comunicación social, de titularidad pública o privada: televisiones, periódicos, periódicos digitales, canales de Internet, etc.
  • Publicaciones especializadas: revistas científicas, libros, actas de congresos, etc.
  • Los canales propios del Arte: galerías, museos, catálogos, crítica especializada, foros, congresos, etc.

 

Además hay imágenes “privadas” las cuales son de difusión limitada al círculo familiar, de amigos… Como por ejemplo las fotografías familiares, los DNI, webcam…

También hay imágenes que son producidas sin que lo sepamos y que no tienen difusión, que nosotros conozcamos. Ejemplo escáneres, cámaras de seguridad, etc.

Los límites entre unas imágenes y otras no siempre están claros ni son fijos.

Internet es un espacio virtual inmenso lleno de multitud de imágenes de todo tipo lo que ha revolucionado el canal de distribución. En éste se distribuyen imágenes de todo tipo, mezclando lo público y lo privado (con o sin consentimiento). Y cualquier persona tiene acceso a él, por lo tanto tiene acceso a todas esas imagines que además puede manipular, retocar y crear. Lo cual supone un auténtico desafío al concepto tradicional de derechos de autor y de imagen…o simplemente una oportunidad para manipular la información hasta extremos increíbles

Tenemos a nuestra disposición un canal masivo de distribución de imágenes. Es importante tener en cuenta que la mayoría de los canales de distribución de imágenes están controlados por poderes y empresas, y el bombardeo de imágenes a que somos sometidos por la sociedad de la información escapa a nuestro alcance.

El control de los canales

En primer lugar voy a hablar de dos grandes empresas y sus editores:

  • El Grupo Prisa, de Don Jesús Polanco, edita: Santillana, El País, Cuatro, Cadena Ser, Canal +, los 40 Principales, Cadena Dial,  AS, Máxima FM, etc.

grupo_prisa1

  • El Grupo Planeta, de Manuel Lara, edita: Anaya, Santillana, Antena 3, La Razón, Avui, Onda Cero, etc.

grupo planeta

Pero el control sobre los medios no es sólo un control sobre los contenidos de la información:

  • También es sobre qué cine, documentales, dibujos animados, etc.
  • Sobre qué productos se distribuyen masivamente y con gran soporte publicitario y cuales se destinan sólo a minorías (o simplemente no se comercializan)
  • Sobre qué personas intervienen en los debates, en las entrevistas, en los reportajes…

Los contenidos nunca son neutrales, siempre contienen ideología y proceden de canales que buscan promover sus intereses

Es labor de la Escuela aprender a mirar y a comprender no sólo qué cuentan, sino también qué ocultan, qué desfiguran, quién está detrás, quién gana con ellos, etc.…

Canales de exhibición:

  • Los medios de comunicación ( que hemos visto anteriormente)

Nosotros mismo, la propia realidad. 

  • Nosotros mismo, la propia realidad. 

Pero el control sobre los medios no es sólo un control sobre los contenidos de la información:

         También es sobre qué cine, documentales, dibujos animados, etc.

         Sobre qué productos se distribuyen masivamente y con gran soporte publicitario y cuales se destinan sólo a minorías (o simplemente no se comercializan)

         Sobre qué personas intervienen en los debates, en las entrevistas, en los reportajes…

Los contenidos nunca son neutrales, siempre contienen ideología y proceden de canales que buscan promover sus intereses

Es labor de la Escuela aprender a mirar y a comprender no sólo qué cuentan, sino también qué ocultan, qué desfiguran, quién está detrás, quién gana con ellos, etc.…

Canales de exhibición:

·         Los medios de comunicación ( que hemos visto anteriormente)

  • Nosotros mismo, la propia realidad. 

bolsa zara publi zara

Por ejemplo la tienda de ropa Zara no tiene que hacer publicidad, ya que somos nosotros mismo los que hacemos su publicidad llevando la bolsa de zara, con las etiquetas, con las letras en las camisetas que ponen zara, etc.

  • El arte.

Los artistas hasta el s. XIX eran contratados, eras siervos del poder. Esto cambia en el s. XIX con el “mito del genio”, los artistas son personas especiales, genios porque la naturaleza lo quiere así, y así surge una nueva clase la burguesía.  El artista pasa a ser un profesional libre, pintan lo que quieren y después le compran lo que él pinta. Según el Mito del Genio como el autor es un genio lo que crea es bueno. El artista pinta lo que al le gusta y al final impone sus gusto porque al que no le gusta es un ignorante.

Las obras a veces son buenas, otras veces son regulares, la mayoría, pero siempre se venden como buenas porque si la hecho un genio eso es una gran obra. Al artista no se le puede discutir ya que se da un Discurso Arte es decir un discurso de poder.

El pintor, el galerista o mediador, conocen al crítico y este escribe positivamente sobre su obra, por lo tanto al comprador le llega ya con una relación de poder.

Esto no significa que el arte no sirva, el arte es maravilloso pero tengo que saber que conexiones tiene, quién está detrás, a qué poderes responde, etc.

El arte también tiene más canales como la escuela (cuando yo hablo de Picasso a los niños,) los museos, las ferias de arte, internet, etc.

  • Y otros: como internet (también visto anteriormente).

PROPUESTA DIDÁCTICA

Particularmente considero que los contenidos desarrollados anteriormente son conocimientos de gran importancia que se deberían empezar a ver con los niños de segundo ciclo de primaria, ya que los niños de ocho y nueve años comienzan a tener capacidad para valorar las imágenes que nos rodean, es decir empiezan a interpretar la información que éstas nos proporcionan.

El docente debe mostrarle de manera sana como nos influyen las imágenes, como van creando nuestra identidad de maneras distintas para cada uno de nosotros. Para que los niños tengan una comprensión más amplia de las cosas, de la realidad que es muy compleja. No quedarse solo en las explicaciones sencillas.

Para trabajar esto haría una Asamblea de clase y les preguntaría que tema de interés para ello les gustaría estudiar, y de los diferentes temas que saliesen entre todos por votación elegirían uno, así estimularía la motivación de los alumnos, para que disfruten mientras están aprendiendo.

Elegido el tema (que podría ser que imágenes nos rodean) me documentaria y les pediría a ellos que buscaran y trajesen a clase diez imágenes diversas que ven todos los días.

Nos juntaríamos con imágenes como: fotografías, anuncios, gente famosa, cuadros, pinturas,  etc.

Con esto le explicaría que hay distintos tipos de imágenes, que unas pueden ser más o menos parecidas a la realidad, que estas nos influyen,…

Después les diría que de las diez imágenes  escogieran una que les gustara y otra que no, para así demostrar que cada uno de nosotros tiene unos gustos distintos, y que ninguno es mejor que otro sino que simplemente son diferentes.

También les diría que eligieran una imagen importante para ellos e intentaría que explicara porque es importante para ellos y buscaría a un compañero que tuviese una interpretación diferente de la imagen para que vieran que las cosas pueden tener muchas visiones.

Con todo esto crearía un conocimiento complejo en los alumnos, para hacer que los alumnos sean críticos e investigadores y no simple observadores.

Cuando los niños tengan claro las tareas realizadas les diría que hicieran eligieran individualmente otras tres imágenes nuevas y las explicaran para ver que conocimientos han adquirido.

BIBLIOGRAFÍA

1.- No hay una realidad completamente objetiva, sino discursos que pretenden contar la realidad.

Ningún autor es totalmente objetivo porque tiene sus pensamientos, creencias, formas de ver la realidad…etc. y según los criterios que tenga construyera la realidad de una manera u otra, por lo que los relatos de la realidad no son totalmente objetivos. La realidad son discursos los cuales son susceptibles de error, y siempre sujeta a revisión. 

2.- Para dar cuerpo a los discursos, construimos narraciones (lingüísticas o visuales por ejemplo).

Construir narrativas significa contar, referirse a un hecho. Esto implica seleccionar aspectos, darle sentidos (explícitos o no) y construir un relato congruente, pensado para los demás y para uno mismo.

Los discursos son narraciones (textuales o visuales) que implica interpretar la realidad.

alegoria del amor alegoria del amor goya

Las dos obras son narraciones visuales de la Alegoría del amor y como vemos son totalmente diferentes esto puede ser porque los autores son distintos entre otras muchas cosas.

3.- Las narraciones realmente construyen la realidad, y lo hacen sin que les opongamos demasiada resistencia…

Las imágenes, las narrativas construidas con ellas,  construyen nuestra visión del mundo, a menudo incluso de cosas que no conocemos o no hemos vivido.

Las películas que son narrativas tanto lingüísticas (por el diálogo que tienen) como visuales (porque son una secuencia de imágenes) tienen una gran influencia en nuestra percepción de la realidad. Algunas de ellas causan gran impacto en la sociedad como es el caso de Titanic, construye una realidad ficticia a partir de un suceso real.

Titanic

Todo el mundo sabe o cree saber la historia del Titanic.

Ésta es una de las películas más famosas.

Y crean vivencias y conocimientos íntimamente sentidos, pero que en realidad no hemos tenido nunca.

titanic,

Esta imagen crea un sentimiento de amor y pasión, sentimiento en el que pensamos al verla pero que no hemos tenido.

 Como ya vimos, hasta el relato de nuestra propia vida lo construyen las imágenes. Tendemos nosotros mismos a hacer narrativas de nuestra propia vida. Por ello fotografiamos todos los momentos importantes.

comunion_1213_ppal_g boda-sevilla2a

Todas las narraciones están influidas por el imaginario colectivo, por las imágenes de los otros, por lo que nos rodea, la televisión, los anuncios publicitarios, los famosos, el arte, los juguetes…

michalengo

beyonce-in-elie-saab

Todas estas imágenes son ejemplos de cómo influye el imaginario colectivo, los estereotipos y lo visual en general.

Muchas de estas imágenes de modelos, gente famosa, muñecas responden al interés del poder, del comercio, a creencias o ideologías…

4.- La creación de narrativas y argumentos a través de lo visual lo invade todo, y coopera también en la construcción de nuestra individualidad, nuestra identidad, nuestro yo, nuestra visión del mundo y de nosotros mismos.

  • Un papel de hombre…

papel hombre

Fuerte, cabeza de familia, por encima de la mujer, no hace nada de las tareas del hogar, etc.…

  • Un papel de la mujer…

papel mujer

La mujer es un objeto sexual, tiene que estar siempre delgada guapa atractiva,…Esto es un gran negocio comercial en cosméticos, dietas, ropa… Y lo que es peor hace que los hombres nos vean solo por nuestro físico y como objeto de satisfacción.

5. Cada narración es algo más que lo que aparentemente vemos o leemos

Debemos preguntarnos ¿Qué función tiene? ¿Quién hay detrás? ¿Para qué? ¿Cómo nos influye? , etc.

Las cosas se pueden ver desde muchas perspectivas no hay que quedarse solo con la lectura objetiva y aparente sino que hay que ir más allá, investigar e intentar comprender las cosas y darle la vuelta, tenemos que ser críticos y saber expresarnos por nosotros mismo, independientemente de lo que nos quieran imponer.

6.- Hay muchas posibles interpretaciones de la realidad

La realidad tiene muchas posibles interpretaciones, tenemos que intentar ver el mayor número de interpretaciones, comprenderlas y nosotros mismo elaborar o re-construir la realidad: crear una narrativa.

Como futuros docentes tenemos que los alumnos no sean solo receptores de la publicidad, la televisión, el arte… sino que participen en la construcción de la vida, que sean lo más libres posible, que aprendan a mirar críticamente, a reflexionar por sí mismo, a no quedarse con lo primero y sobre todo a pensar y expresarse. Así construirán cosas nuevas, re-construirán la información y el saber.

Debemos de enseñar a nuestros alumnos a relacionar las diferentes informaciones, materias, contenidos, campos, momentos, porque todo está en continua relación y así tendremos un conocimiento más rico y variado.

Eso es propio del pensamiento artístico (Pero puede utilizarse para cualquier materia).

Los artistas han creado infinidad de narraciones:

  • A veces con una sola imagen

2490057570_9c229d6b7e_o

3347369544_bb5a3bcd4c

  • Pero también otras veces a través de narraciones que no estaban basadas en una sola imagen, sino en una compleja relación de hechos e informaciones

construcción

El maestro tiene que desarrollar en los alumnos procesos de metacognición para ayudarles a percibir, a interiorizar, a expresar Tenemos que crear en los niños una percepción creadora, es decir que el niño vaya analizando y opinando sobre las cosas, pensando para después crear ellos mismo su propia narrativa.

labios cosidos

Tenemos que hacer que nuestros niños expresen sus pensamientos, reflexionene y narren sus propias historias, que no tengan los “labios cosidos”.

 Narraciones que sirvan para desarrollar un pensamiento autónomo, crítico, propio de un individuo libre, culto, preparado para n mundo en cambio y lleno de interrogantes.

Narrativa a través de la cual los alumnos reconstruyen la información y presentan algo nuevo, bien fundamentado, que aborda cuestiones decisivas.

7.- Construir narrativas es algo fundamental en Educación Artística

  • Para comprender lo que vemos
  • Para hacer frente a lo que vemos, para matizar, discutir, complementar, redefinir, etc. otras narrativas
  • Para crear nuevas argumentaciones, nuevas experiencias, etc.

Narrativas puede estar creadas con imágenes, objetos, textos, actuaciones, etc.

8.- Construir narrativas es fundamental para nosotros mismos: existimos en la medida en que damos sentido a nuestras vidas y construímos nuestro propio relato de la existencia y de cada uno de nosotros mismos.